Un « théâtre de nuit » au Point du Jour

Compte-rendu rédigé par Pierre Causse

C’est dans le hall du Théâtre du Point du Jour que s’est tenu le séminaire Hypnose du 9 mai 2018, en compagnie de Pierre Ziadé, metteur en scène, Michel Maurer, concepteur son et responsable du département son à l’ENSATT, ainsi qu’Alexandre de Dardel, scénographe et responsable du département scénographie à l’ENSATT. Tous trois ont encadré l’atelier son/scénographie réunissant des étudiants de 2ème année de l’ENSATT sur une période d’un mois et demi, entre fin mars et mi-mai 2018.

Une première présentation des travaux des élèves devant avoir lieu jeudi 10 mai – le lendemain de la séance de notre séminaire – au théâtre du Point du jour, il s’agissait pour nous de questionner les trois intervenants sur le déroulement de l’atelier, dans la mesure où cette année à la demande d’Alexandre De Dardel le programme pédagogique de l’atelier avait été mis en lien avec celui de nos recherches sur l’Hypnose.

Initié il y a une vingtaine d’années par Daniel Deshays, l’atelier son/scénographie a toujours eu pour originalité d’associer des élèves en son et en scénographie, et de les faire travailler ensemble autour d’un projet commun, proposé chaque année par un metteur en scène différent.

Cette année, Pierre Ziadé a invité les étudiants à travailler autour d’un texte tiré du film de Marguerite Duras, Le Navire Night (1978).

Quand on lui demande d’aborder la question de l’hypnose, Pierre Ziadé nous dit qu’il s’interroge sur l’emploi de ce terme. Pour lui, le mot même d’hypnose entraîne un « imaginaire chargé », trop spécifique ou situé. Il lui préfère des termes plus neutres, comme ceux d’« ouverture » ou d’« éveil ».

Ceci posé, Pierre Ziadé a témoigné de sa curiosité et son intérêt pour la recherche que nous menons depuis janvier 2017 autour des dispositifs hypnotiques. La lecture des différents articles et billets d’HypnoScènes sur la démarche des artistes dont nous tentons de rendre compte, a notamment été pour lui l’occasion de mettre en mots la dynamique de création qui l’intéresse et qui s’organise principalement autour de la question de la « scène intérieure du spectateur », cette scène immatérielle qui « fait appel à quelque chose qui n’a plus rien à faire avec ce qui nous est donné à voir ou à entendre » au plateau. Pour Pierre Ziadé, la scène n’est pas seulement l’espace dans lequel s’inscrit le spectacle, elle se trouve aussi entre les choses, elle est notamment le produit d’interactions, de tensions, de glissements, parfois même de dissonances, entre le son, la lumière, la vidéo, les décors, les mots, les corps des acteurs…

D’où cette question que se pose le metteur en scène, et qu’il a partagée avec les étudiants : « Comment mettre en scène cet ailleurs qui se tient entre les choses, comment permettre aux spectateurs de faire l’expérience de cette part en eux d’inconnue, cette matière primordiale qui sans cesse leur échappe, se retire au loin, pour mieux leur donner naissance et faire d’eux, chaque fois, des humains ?

Et je ne parle pas ici de lever ou de déchirer de manière volontaire un voile qui empêcherait les spectateurs de voir les choses telles qu’elles sont, mais bien au contraire de leur proposer un lieu dans lequel ils puissent vivre ce qui semble les aveugler, éprouver cet aveuglement jusqu’à le ressentir au plus profond de leur chair, et ainsi faire de manière singulière l’expérience de leur présence au monde. »

Les étudiants devaient donc se questionner sur « ce qui se tient entre les choses mises en scène au plateau », et plus particulièrement entre le son et la scénographie.

Alors que dans les productions théâtrales, la scénographie est généralement envisagée en amont et que la création du son ne l’est véritablement que dans un second temps, il s’agissait dans l’atelier son/scénographie de toujours concevoir ces deux aspects de la création dans un seul et même mouvement ; pour éviter notamment que la conception du son ne se réduise à un seul rôle d’illustration, et permettre ainsi à la recherche menée par les étudiants de se situer toujours au croisement de la scénographie et du son.

Michel Maurer a pu par exemple inviter les étudiants à se demander « quelle est la part scénographiée par le son ». Et il a tenu à ce que cette année l’atelier se déroule dans un va-et-vient permanent entre une démarche de recherche au plateau et une réflexion à la table, sans que l’une n’aille jamais sans l’autre [1]. Une question restait ainsi toujours au centre de l’atelier : Comment une construction intellectuelle résiste-t-elle à l’épreuve du plateau, et inversement comment un résultat né de l’expérimentation, et donc du sensible, peut-il trouver sa place dans une réflexion plus conceptuelle ?

La séance de notre séminaire a notamment pu être l’occasion de réfléchir à la démarche pédagogique mise en place au cours de l’atelier et de se demander s’il était possible pour les étudiants de mener un travail de longue haleine sur la question du sensible à travers des expérimentations, sans jamais perdre de vue le texte et son propos.

La place de la dramaturgie dans un tel processus a pu elle aussi être interrogée, ou plus exactement, la nature du travail dramaturgique à mettre en œuvre. Quelle définition de la dramaturgie pour des formes dont le centre est moins un texte qu’un parcours sensible proposé aux spectateurs ? Dans cette écriture du sensible, la dramaturgie se place peut-être dans le travail des « sas », des entrées et des sorties d’un état à l’autre, « non plus dans la mise en scène du texte mais dans l’écriture de ce chemin sensible pour le spectateur » (A. de Dardel).

Ainsi l’objet de l’atelier était-il dense, il s’agissait d’une part à travers le texte de Marguerite Duras d’expérimenter un autre type de relation au spectateur, tant du point de vue du son que de la scénographie, et d’autre part de donner à des artistes en devenir le goût de la recherche – cette quête du bout du bout, « où l’on ne sait jamais ce que l’on va trouver, mais où l’on peut être certain qu’il se passera quelque chose » (Pierre Ziadé) – tout en leur donnant les moyens d’apprendre à reconnaitre leurs intuitions nées du plateau et les intégrer dans leur projet d’ensemble.

[1] Pour un éclairage sur les modalités de relations possibles entre recherche et création, voir « La recherche au regard des pratiques théâtrales », introduction de Mireille Losco-Lena au volume collectif qu’elle a dirigé : Faire théâtre sous le signe de la recherche, Presses Universitaires de Rennes, 2017. Texte accessible en ligne.


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